domingo, noviembre 19, 2017

El teatro venezolano se muda a Guanare

Un evento que tiene 35 años de continuidad.
Para este año 2017, el Festival de Teatro de Occidente, en Guanare, organizado por la Compañía Regional de Teatro del Estado Portuguesa y el Teatro Estable de Portuguesa arribará a su trigésima quinta edición y su director general Carlos Arroyo anunció la programación, pero antes resaltó el generoso apoyo de los organismos culturales del Estado venezolano, como el Ministerio del Poder Popular para la Cultura y la Compañía Nacional de Teatro, entre otros entes oficiales.
Además hay una programación infantil a las 3 pm, en las comunidades, todos los días y a las 9 de la noche, mientras que la programación musical y de espectáculos de circo se realizará en el espacio La Perra que llora.
Es muy importante destacar el sentido experimental que siempre ha caracterizado al Festival de Teatro de Occidente, “por eso es un festival en movimiento y que este año lo dedicamos por entero a la dramaturgia venezolana. Ya que todas las obras son escritas por autores nacionales, incluyendo los espectáculos de danza”.
BALANCES Y PROYECTOS
¿Qué balance puede hacer respecto a estos 35 años que alcanza el festival y de cómo ha logrado tener vigencia?
El resultado es positivo. Haber sembrado el Festival y haber conformado una familia centroccidental que año tras año espera encontrarse por medio del evento es realmente positivo. Somos una ventana latinoamericana para el teatro en Venezuela. Un sin número de compañeros espera por esta vitrina. Nos hemos convertido en referencia. Grandes figuras del teatro de América Latina han pasado por los escenarios de Portuguesa, Barinas, Lara, Yaracuy, incluso por Cojedes, cuando trabajamos con ese estado. Si bien, Guanare es una ciudad pequeña, el festival se hizo tradición y gracias a este evento logramos construir un centro teatral con dos salas de teatro, depósito, biblioteca y centro de documentación.
¿Cuál ha sido la clave?
La constancia, el trabajo en equipo, la no desesperanza, el sacarle provecho a las dificultades… no todo ha sido color de rosa, sin embargo, levantamos el telón y en ese momento sentimos una gran felicidad. Al subir el telón aportamos desde nuestra pequeña trinchera a la construcción de un país que tiene que soñar a través del teatro. Detrás del festival se encuentra un gran equipo humano, de hombres y mujeres que han fundado bloque a bloque este espacio.
¿Metas y proyectos?
Seguir siendo una ventana para el mundo y América Latina, esa siempre será nuestra intención… que el mundo pueda observar el teatro que se produce en Venezuela. Hay que reconocer que el teatro venezolano tiene que avanzar en la conquista de escenarios internacionales, eso depende del esfuerzo que despliega el teatro venezolano y del estímulo político-gerencial del Ministerio, Gobernaciones y Alcaldías, en función de posicionar nuestro lenguaje teatral, cómo lo abordamos y cómo es su sonoridad…sin obviar la interacción con el mundo, ya que por más pequeño que sea un lenguaje, siempre es importante observar los fenómenos de esos pueblos que, con voz propia, interpretan su quehacer cultural.
PROGRAMACIÓN
Lunes 20/11/17: Centro Teatral Herman Lejter. Inauguración 7:00 p.m con el espectáculo de danza contemporánea Blanco de orilla, Unidad de creación Artística de Danza- Unearte-Ceca Portuguesa.
Martes 21/11/17 y Miércoles 22/11/17/ Sala Federico Collado/ 6:00 pm. Zamora, por aquí pasó de Aníbal Grunn- CNT, dirección Carlos Arroyo. Sala Alberto Ravara/ 8:00 pm. Criminales de Reinaldo Hidalgo, Teatro de la Ópera de Maracay, dirección Reinaldo Hidalgo.
Jueves 23/11/17/Sala Federico Collado/ 6:00 pm/Cuentos de guerra para dormir en paz de Karin Valecillos, Cía. Regional de Teatro de Portuguesa, dirección Aníbal Grunn.
Jueves 23/11/17 y viernes 24/11/17/Sala Alberto Ravara/ 8:00 pm/El hombre de la rata de Gilberto Pinto, Teatrela, dirección Costa Palamides.
Viernes 24/11/17 y sábado 25/11/17/ Sala Federico Collado/6:00 pm, Estoy aquí, espectáculo de danza teatro del grupo Caracas Roja, dirección Rafael Nieves.
Sábado 25/11/17/Sala Alberto Ravara/8:00 pm, Piano de cola de Manuel Manzanilla-Batahola, dirección Mayeli Delfín.

María Fernanda Lairet ganadora en los Global Art Awards en Dubai

El pasado 11/17/17 fueron anunciados los ganadores de los premios internacionales para las artes visuales  Global Art Awards  en el Burj Khalifa, Armani Hotel Dubai. 
La artista visual y fotógrafa venezolana María Fernanda Lairet resultó ganadora en la categoría Street Art con su collage visual de papel moneda “Dubai-Lairet”. El simbolismo y los valores espirituales de los billetes fueron recreados, superpuestos, derivados y "geometrizados" para lograr una interpretación particular del patrimonio cultural de los Emiratos Árabes Unidos.
El jurado estuvo conformado por respetados profesionales del arte, coleccionistas, galeristas, críticos y emprendedores, así como miembros del Middle East Art Collector Association entre los cuales figuran: Mahmood Bin Karam Al Farsi (UAE), Sophie Neuendorf (USA), José Ignació Ruiz Caparrós (China), Cristoph Noe (Hong Kong), Satoshi Maruhashi (Japan), Daryl Goh (Singapore), Jean Minguet (France), Ghada Kunash (UAE) y Joobin Bekhrad (Toronto).
 Lairet, quien se encuentra residenciada en Georgia - USA cursando estudios en el Savannah College of Art and Design - SCAD, en su afán por innovar y buscar nuevas maneras de acercarse al público, ha recurrido a nuevos formatos, instalaciones y juegos arquitectónicos que interactúan con el espacio, la luz y el color. 
Una de sus series más conocidas, Narrativas Globales, evidencian una transformación hacia la abstracción geométrica mediante la combinación de formas simples y composiciones subjetivas sobre espacios irreales, que buscan expresar el proceso de desaparición del valor del papel moneda.
 Este importante reconocimiento de Lairet coincide con la instalación de una de sus series en el Aeropuerto de Silicon Valley en la ciudad de San José - California, uno de los centros más importantes de innovación tecnológica con casi 11 millones de pasajeros al año.
Además, la artista ha sido seleccionada por la revista Nashville Arts Magazine como una de las fotógrafas del año y cuyo trabajo será publicado en la edición de diciembre 2017.
María Fernanda cuenta con un extenso portafolio que integra obras pictóricas, series fotográficas y collages virtuales de delicada estética donde integra lenguajes que buscan romper barreras entre lo artesanal e industrial y que la han hecho una referencia en el arte latinoamericano. 



sábado, noviembre 18, 2017

El director es el jardinero del teatro

José Tomás Angola Heredia, actor, autor, director y maestro,ademas venezolano.
José Tomás Angola Heredia tiene sendos retos profesionales por delante: estrenar otra de sus obras teatrales y asumir la cátedra de dirección en el diplomado que organiza Escénica. Además tiene criterios propios y no escatima palabras reflexivas para hacerlos conocer, por aquello de que el teatro es el único lugar donde el hombre puede pensar en libertad, como decía Arthur Miller.
¿Desde cuando en estos avatares del teatro?, le preguntamos.
Debuté profesionalmente en 1991, de la mano de Gerardo Blanco y el grupo Bagazos, con la pieza Cupo limitado del mexicano Tomás Urtusástegui. Eso fue en el desaparecido Teatro Cadafe. Pero la primera obra que estrené como dramaturgo y director fue en 1992, en la Sala Alberto de Paz y Mateos, también con Bagazos. Se llamaba Los seres sobre las camas. Es decir, 26 años trepado en un escenario como actor y 25 como dramaturgo y director, intentando crear.
¿Satisfecho de lo logrado?
Los artistas no solemos estar satisfechos con nuestra propia obra. Me siento contento con el trabajo que he hecho, pero no satisfecho. Esa insatisfacción, esas ganas de decir más, de subir un peldaño más en la ruta hacia la excelencia, las ansias por explorar nuevos territorios, herramientas, lenguajes, ese deseo por hacer reflexionar y sentir al espectador es lo que espero me mantenga al menos otros 26 años sobre las tablas. 
¿Qué hace en estos momentos?
Con mi grupo, La Máquina Teatro, nos encontramos ensayando mi más reciente pieza, Ningún hombre es una isla, que estrenamos en enero de 2018 en la Asociación Cultural Humboldt. Es una pieza que toma la figura de Ernest Hemingway en sus últimos años, en su finca en Cuba, para adentrarnos en un tema que ha sido constante en mi escritura: el valor ante la vida y el valor ante la muerte. También subyacen otros argumentos: la ficción literaria como remedo de Dios y la creación, y el derecho que tenemos a ser felices. Me acompañan en este aventura mi hermano en el arte José Manuel Vieira y Andrea Miartus. Produce el querido amigo Carlos Silva. Protagonizo y dirijo. Con piezas tan personales, me gusta tener el control creativo total para presentar un discurso que entre en la definición de teatro de autor. Es un proyecto que se vale en gran medida del video mapping y la escenografía virtual. Tengo varios años explorando el camino de las nuevas tecnologías aplicadas al teatro. Y somos pocos los que hacemos eso en Venezuela.  
¿El dramaturgo nace o se hace?
Ambos caminos se complementan y son requeridos para desarrollar una carrera como dramaturgo. Se viene a este mundo con un equipaje, el talento, que mueve la pluma y la fantasía. Pero dejado todo a la intuición, el trabajo se estanca o queda trunco. Con el estudio y la preparación se adquieren las técnicas para explotar ese talento hasta sus últimas consecuencias.
¿El director nace o se hace?
Quizá aquí la pregunta es más difícil de responder. Los talentos originales asociados al director o al puestista son más difusos. Se requiere de sensibilidad, de capacidad reflexiva y sentido de la comunicación. Un director debe ser un gran lector, no un escritor. Su oficio está más cercano al del jardinero, que no crea las flores pero de él depende que surjan y crezcan. Luego en el estudio se aprenden las claves para traducir la palabra en imagen, para inspirar las atmósferas, para acertar los ritmos y engranar los sentimientos. Para ensamblar la sinfonía, aunque a diferencia del director de orquesta, en el teatro el director debe desaparecer humildemente una vez que se alza el telón y comienza la vida en el escenario
¿Cómo se dispones a dar su cátedra de dirección en Escénica?
Me entusiasma mucho este proyecto. A la cabeza está un hombre que respeto y admiro, Gerardo Blanco. Y como hombre de teatro y educador ha construido un diplomado que viene a llenar una carencia enorme que tenía nuestra medio. En Venezuela se estudia teatro o en carreras convencionales, muy teóricas, ceñidas a doctrinas pedagógicas antiguas y con referencias y criterios superados, o en cursos exprés muy introductorios y con poca hondura. No existía un punto intermedio, el diplomado, en donde se amalgamaran conocimientos teóricos con prácticas efectivas, extraídas de la experiencia constante sobre el escenario y no de la simple imposición del taller-montaje. Los programas han sido desarrollados por creadores con mucha experiencia real en la solución artística de problemas estéticos, dramáticos y psicológicos en los procesos teatrales que han abordado. Es entonces diferente el enfoque pues supe un ejercicio documental de enorme significación para quien asume el teatro como oficio. Yo dictaré la cátedra de dirección que ha confeccionado Costa Palamides, un artista con muchos logros en su carrera. 
¿Cómo se preparó para esa docencia?
Para prepararme he recurrido a un acto revisionista de mi vida. Entender cómo ha sido mi propio proceso de aprendizaje y cuales son mis certezas y mis dudas para exponerlas con total honestidad. Provengo de una formación en la dirección con maestros como Gerardo Blanco, Marcos Reyes Andrade o Carlos Angola que se formó como director en España con Pilar Miró. Así que mi escuela tiende a la dirección de actores como germen de todo proceso escénico de puesta.
¿Está esperanzado en el avance del teatro venezolano?
El teatro en Venezuela está sometido a una profunda crisis a lo interno y a lo estructural. Es decir una crisis sistémica. Después de venir de una etapa en donde el Estado fue la plataforma financiera que permitía la creación y la experimentación, el proceso se revierte y ahora el Estado es el principal obstáculo para el desarrollo artístico libre. No solo es un asunto de subsidios y promoción, que ya no los dan o son usados para penalizar y castigar, hablamos de salas que se programan por criterios políticos, de cierre de grandes iniciativas como los festivales internacionales de teatro o espacios que eran sedes de agrupaciones y ahora están inoperantes, del uso del arte teatral como un simple mecanismo de propaganda y manipulación ideológica. Ante esa realidad el verdadero artista está enfrentado a una dualidad con la que es muy difícil lidiar: trabajar para comer y trabajar para crear. Muchos quisieran hacer Hamlet o Fuenteovejuna, pero deben montar comedias ligeras e intrascendentes en aras de convocar al mayor público posible pues la taquilla es el sustento. 
Toda crisis es una oportunidad. La destrucción del teatro emprendida desde el gobierno debería ser un punto de inflexión para decidir nosotros el "parricidio" artístico. Desprendernos del "papá" Estado y proponer un camino propio, honesto y gestado por y para nosotros y nuestras audiencias. Lejos del chantaje gubernamental y la claudicación moral. Obviamente eso pasa por redefinirse en los alcances de las producciones y las posibilidades reales de la producción ejecutiva. Sustituir con creatividad lo que antes permitía el dinero. Me imagino que es un reto parecido al que se enfrentaron los creadores alemanes cuando ascendió el nazismo al poder. Y de allí emergieron Bertold Brecht o Peter Weiss. Pero esa reinvención solo ocurrirá cuando dejemos atrás egos y envidias, esa noción primitiva de la tribu que nos aísla en grupúsculos que se miran el ombligo en vez de integrar esfuerzos y vernos solidariamente como gremio. Lastimosamente la grotesca lucha por el poder que se observa en la política, se replica en el teatro con ganancias y cuotas bastante risibles, como a quien le dan más temporadas en una determinada sala o lograr más espacio en los pocos medios de comunicación que quedan.
Sin embargo tengo fe en el teatro venezolano porque tengo fe en sus creadores. Los veo día a día sobre las tablas, batallando contra el demonio de mil cabezas que habita fuera de la puerta de la sala. Ellos siguen ahí, a pesar de los muchos que se han ido, ellos siguen ahí y cada noche hacen subir el telón para luego salir victoriosos con el enorme premio, único premio cierto en este oficio: el aplauso del público.



Dulcinea y Aldonza para los caraqueños

Vino de España para mostrar su monólogo
Dulcinea toma la palabra es un monólogo, escrito y actuado por la  actriz, Valle Hidalgo, codirigido junto con Greivin Valverde. Es montaje de Birlibirloque Producciones de España, con una puesta en escena dinámica y ágil, que  muestra a dos personajes inolvidables, donde el amor sigue siendo el denominador común de las dos mujeres de don Quijote, Dulcinea y Aldonza, el cual se presentará, en el marco del 1er Concurso Nacional de Monólogos Uno a la Vez 2017, organizado por el Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), este sábado 18 de noviembre, a las 5:00 pm,  en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, ubicado  en Av. La Colina. Prolongación Los Manolos. Las Palmas.  Entrada tres mil bolívares (Bs 3000) en efectivo.
 Luego de la presentación, Valle Hidalgo, bautizará en nuestro país, su libro Monólogos para estar acompañada, de Birlibirloque ediciones, que contiene   Dulcinea toma la palabra, junto a los monólogos La perfecta maltratada y La maldición de Quirón.
 Valle Hidalgo llega  a Venezuela, desde Colombia, luego  de pasear a Dulcinea y Aldonza, las dos mujeres de Don Quijote, por los escenarios  de España,  Túnez, Tánger-Marruecos, Costa Rica, República Dominicana,  Perú,  Estados Unidos, Argentina y México, país donde la  actriz, escritora y directora, fue galardonada en el concurso de dramaturgia por la Asociación de Periodistas de México, “por su profesionalidad y por la ternura de sus personajes”, y demostrar que ha llegado a una madurez creativa y dramática  digna de  elogiar, porque  conoce  muy bien su  oficio.
 DULCINEA Y ALDONZA, MUJERES DE HOY
   La autora e intérprete, considera un privilegio pasear a Dulcinea y a Aldonza por escenarios hispanoamericanos especialmente donde “he podido comprobar el cariño y el respeto que se siente por Don Miguel de Cervantes y por nuestra tierra manchega”
    Valle Hidalgo confiesa que la idea de escribir surgió en 2004 cuando le propusieron hiciera una obra relacionada con el Quijote, por lo que pensó darle voz a Dulcinea, personaje que no tiene diálogo alguno en la obra.  Don Quijote es el segundo libro más traducido y más difundido, después de la Biblia en el mundo.   Razón principal que la llevó a crear Dulcinea toma la palabra y reflexionar sobre los estereotipos sobre la mujer.
   A Dulcinea toma la palabra, Valle Hidalgo la considera “una obra reivindicativa en la que se da voz a las mujeres a las que se nos imponen modelos, y encajar en un modelo implica tanto sufrimiento, que a la final la mujer llega a dejar de ser ella misma. Me parece muy peligroso que el modelo que tengamos de mujer sea el que se nos imponga. (…).  Dulcinea es una mujer bellísima pero que no dice nada, y Aldonza es una mujer trabajadora, que sala puercos. Me encontré con ese mito de nuestra cultura que es la dualidad y también el mundo de los estereotipos.”
   CONOCER A VALLE HIDALGO
   Actriz, escritora, directora, productora, guionista, es miembro de la Academia de Artes Escénicas de España, y del Grupo de Trabajo Psicología y Artes Audiovisuales/Escénicas del Colegio Oficial de Psicólogos de Madrid, donde recientemente presentó la ponencia “Diferencia de géneros y nuevas responsabilidades de la mujer en el hecho escénico.” En la III Jornada de Psicología y Artes Escénicas.   Socia de la Sociedad General de Autores y Editores de España y de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales de España.
Licenciada en Psicología, por la Universidad Complutense de Madrid.  Licenciada en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Madrid.   Master en Guión Cinematográfico por la Universidad Autónoma de Madrid.  Fundación Viridiana. Estudios de Master en Gestión Cultural de la Universidad Complutense.  


miércoles, noviembre 15, 2017

Regresa el sainete para revalorizar las raíces del teatro contemporáneo

Un sainete al estilo 2017.
 La Compañía Nacional de Teatro (CNT) creada el 22 de mayo de 1984, por decreto del Ejecutivo y cuyo primer presidente fue el dramaturgo Isaac Chocrón, es actualmente una institución renovada, adscrita al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, comprometida con los cambios que vive nuestra sociedad y participa activamente en las manifestaciones de la actividad teatral que se desarrollan en las distintas latitudes del país. La investigación, la capacitación, la documentación, la conservación, el trabajo con las comunidades y el rescate de la memoria del teatro se suman a su repertorio, como lo atestiguan sus largos 33 años de labores continuas, las cuales han apuntalado el desarrollo del teatro venezolano e incrementado el público con sus largas temporadas en el coso de la esquina de Cipreses, el teatro Nacional, que es su sede artística.
Recordamos esto porque la CNT para cerrar su programación 2017 ha programado y exhibirá hasta fin de año sendas versiones escénicas de tres montajes del conocido sainete El rompimiento de Rafael Guinand (1881-1957), dirigidos, respectivamente por Livia Méndez. Luis Domingo González y Arturo Santoyo, los cuales estarán haciendo temporadas en la Casa Natal del Libertador, en el teatro Nacional y en la plaza Bolívar, con un elenco global de 30 actrices y actores.
A buena hora, la CNT ha mirado por el retrovisor de la historia y mostrado en este siglo XXI a El rompimiento, legendario texto, por cuanto el sainete en Venezuela llega a parodiar situaciones sociales y retrata tipos característicos cuyo perfil fue ironizado e invertido, como lo hizo Rafael Guinand (1881-1957), actor y sobresaliente escritor de sainetes y diálogos cómicos, periodista y, ocasionalmente, poeta festivo. “Fue el más importante creador de personajes populares en la Caracas de su época y uno de sus mejores intérpretes en escena. Sus personajes están arraigados en las zonas marginales o arrabaleras de la capital”, según lo apunta la acuciosa investigadora Mireya M. Vásquez Tortolero.
EL ROMPIMIENTO
Estrenado en el Teatro Nacional de Caracas el 05 de enero de 1917, El rompimiento muestra la doble moral expuesta a través de un venezolano personaje caricaturesco (Esparragosa), que es la excusa perfecta para representar algunas de las costumbres éticas y morales imperantes en la primera década del siglo XX en Caracas. Detrás de este sainete se oculta una sátira aguda sobre el tipo de vida que hacían las madres y las niñas casaderas, el lleva y trae de los vecinos, el jovenzuelo que enamoraba a unas cuantas mujeres y a pesar de todo sale airoso de sus embrollos. Un personaje que ha sobrevivido a través de los años, aunque haya cambiado de atuendos y lenguajes, pero sigue siendo el casanova criollo: Esparragosa.
El rompimiento se materializa en la sala de una casa de familia de clase media baja y su acción escénica se desarrolla durante un día lunes, en una vivienda de la Parroquia San José en el año de 1912. El vestuario de los personajes va acorde con la época. En el curso de la acción se observa cómo en el seno de la familia Mota se desenvuelve el engaño de que es objeto Tomasita, sobrina de Ramona e Hilario, por parte de Narciso Esparragosa. Éste le hace creer a la joven que se casará con ella después de dos años de noviazgo, para así evitar los comentarios de los vecinos. Pero es descubierto, por su doble juego amoroso cuando Catalina Mijares, amiga de Ramona, llega a la casa de ésta y en medio de la conversación queda en claro la situación que dicho individuo vive en las dos familias, además de estar engañando también a la hermana de Braulio, quien trabaja en la casa de los Mota, resume Vásquez Tortolero la argumentación, quizás un poco ingenua para estas tiempos, creemos nosotros.
Hay que advertir que el sainete como técnica literaria ha sido desechada por las nuevas generaciones, pero es útil  y didáctica porque plasma un imaginario específico que afecta y filtra una percepción de la vida, produciendo una imagen nueva en la elaboración de un relato de la cotidianidad, por lo que estos  personajes saineteros , como los de Guinand,  son una verdadera mina donde se pueden encontrar en diversos estereotipos, lo cuales   pueden exagerar sus características y actuaciones para de esa manera producir el impacto deseado en el espectador. Toda una tentación para los escritores, bien sea de teatro o de televisión, subrayaríamos nosotros.
Para Vásquez Tortolero el sainete es una forma de “fictivizar” la historia cotidiana y sus elementos durante las dos primeras décadas del siglo XX. “Cabría hacer la aclaratoria de que el término fictivizar ha sido utilizado por Susana Reinz de Riverola (1979) con la acepción de ficticio. La autora afirma que ficticios son todos aquellos objetos y hechos cuya manera de ser se modificará intencionalmente por alguien durante cierto lapso. El acto de ficcionalizar incide directamente en la construcción de la pieza teatral y en el rol del autor, de los personajes y de la voz narrativa que articula el texto, como sostiene Reinz de Riverola”.
 TRES MONTAJES
Los tres directores que ahora presentan sus versiones escénicas comentan, como es el caso de Livia Méndez, vinculada por primera a la CNT en la temporada de 1986, y quien lleva su musical a la plaza Bolívar, que el sainete es una pieza breve jocosa y tradicionalmente popular, “nunca pierde vigencia porque refleja siempre la realidad y retrata los arquetipos sociales”.
Ella manifiesta que en su montaje, creado para exhibirlo en la plaza Bolívar caraqueña, u otros espacios similares, sus actores además cantaran, durante la escenificación de una retreta con orquesta. “Mis actores son una maravilla y así lo demostrarán al público. Creo que El rompimiento está muy vigente, 100 años después. Y además esto hace parte de un homenaje de la CNT a Rafael Guinand y Rafael Briceño, quien  lo hizo travestido en las temporadas de los años 80 de la Compañía Nacional de Teatro, que para ese época la dirigía Isaac Chocrón, su fundador”.
 El director y actor Luis Domingo González considera que el sainete como estructura teatral es universal y tiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes. “Mi montaje es tradicional y mi elenco ha cuidado mucho sus personajes porque deben adecuarse al lenguaje de la época. Se mostrara en el teatro Nacional”
Arturo Santoyo, el más joven de los puestistas y quien trabaja con una puesta en escena no tradicional, no duda en afirmar que el sainete, y en particular El rompimiento, es una pieza teatral de alto contenido critico a la sociedad de su tiempo y también alude a la época actual venezolana, por su arquetipos, "porque seguimos siendo los mismos, cien años después. Hemos cambiado en el vestuario y en la música, pero las costumbres son las mismas. Mi montaje sale de los espacios escénicos tradicionales y buscar llegar o contactar al público más directamente. Lo debo mostrar en una casa colonial, en su patrio central. Mi elenco ya capto la esencia de los personajes y lo que pretendía el autor”.
PREESTRENO EN LOS TEQUES
Fuimos a la sala Emma Soler, en Los Teques, el pasado sábado 11 de noviembre, para ponderar la versión escénica que logra González, que él considera “clásica”. Y hemos quedado más que satisfechos porque es respetuosa del texto y de los caracteres que propone el autor. Es una feliz combinación de talentos y una muestra de cómo las nuevas generaciones ahí presentes se calzan eso personajes que son contemporáneos. Ya el público, el crítico de las mil cabezas, dará su opinión o sus aplausos.
El texto tiene total vigencia porque casanovas pululan en estos tiempos y quizás un poco más atrevidos porque utilizan las tecnologías comunicacionales además.  Sus seis personajes son encarnados, alternamente, por Aura Rivas, Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz y Juan Manuel Pérez.
El sainete, pues, es nuestro contemporáneo y El rompimiento recuerda las definiciones que de la feminidad y la masculinidad hizo Carl Gustav Jung (Suiza, 1875/1961): amor por encima de todo y seguridad y estabilidad como normas de vida.

martes, noviembre 14, 2017

El puto inolvidable se conoce en Caracas

El Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, ofrece dos actividades artístico formativas, con la intención de apoyar e impulsar el trabajo, que la comunidad sexo diversa venezolana realiza en el país, para el reconocimiento y respeto de sus derechos en la sociedad.
La jornada comenzará el lunes 20 de noviembre, con la realización del taller Activismo Cinematográfico LGBTIQ+, dirigido a todas las personas interesadas en conocer y aprender sobre el tema; en el que se pretende brindar herramientas básicas para la construcción de discursos y otros elementos que puedan asumir y ejecutar, de forma alternativa y dinámica.
El taller será dictado por José Alirio Peña, líder de la Fundación Famicine y organizador del Festival Venezolano de Cine de la Diversidad- FestDivQ; en la Sala de Lectura José Gabriel Núñez, del Teatro Alberto de Paz y Mateos, de 2:00 a 5:00 de la tarde.
Finalizará la jornada el viernes 24 de noviembre, con el estreno, en Venezuela, del documental El puto inolvidable, original de Lucas Santa Ana, proyección que se hará, a las 5:00 de la tarde, en la sala principal del recinto cultural.
El filme narra la vida del activista por los derechos igualitarios, Carlos Jáuregui, primer gay fuera del clóset en salir en la portada de una revista argentina en los años 80. Amigo, amante, luchador e ícono inspirador de masas, quien con su convicción y valor cambió la vida del colectivo LGBTIQ+ argentino y la historia de un país.
La inscripción para el taller se podrá realizar a través de los siguientes correos electrónicos: teatroapm@gmail.com y fundafamicine@gmail.com o través del número (0212) 899.28.72. Ambas actividades son gratuitas.
De esta manera, el Instituto de las Artes Escénicas y Musicales  reactiva sus espacios con la intención de apoyar procesos que, a través del arte, apunten a la inclusión y a la sana convivencia ciudadana.  


Formarán profesionales del teatro

Gerardo Blanco en el proyecto Escénica
Los actores del teatro y la televisión, además del cine en Venezuela, deben resetearse, o revisarse, o adaptarse a los nuevos tiempos para estar a tono con el desarrollo del espectáculo mundial. Y para eso hay talleres, cursos y hasta diplomados que actualizan los conocimientos y adiestramiento físicos.
Por eso, ahora en Caracas un grupo de teatreros que ya han creado y puesto en marcha a la institución Escénica, donde, precisamente, el director y escritor Gerardo Blanco está al frente de este valioso programa educativo.
 Gerardo anuncia, pues, que el proyecto Escénica es más que un Centro de Formación o Espacio para el Teatro, donde “capacitaremos profesionales en las diversas áreas. Nuestra misión es desarrollar, apoyados en el conocimiento, la técnica, la educación, la disciplina y la promoción de valores, las condiciones, disposición y la creatividad de futuros profesionales en las áreas de mercadeo escénico, dramaturgia, dirección, actuación y diseño escénico”.
¿Cuál es la visión de Escénica?
Formar profesionales comprometidos con un teatro inteligente y de calidad que proyectaran las artes escénicas con la competitividades necesarias, que permitirán un desarrollo estable y productivo de esta área. Ahí hay que diseñar, como es obvio, un programa que permita interiorizar la constancia, la disciplina, el esfuerzo, la ética, la creatividad, compromiso y el aprendizaje a través del suministro de herramientas acordes para potenciar al máximo las condiciones para el desarrollo.
¿Tiempo para realizar ese programa general?
La propuesta está dirigida a promover una carrera de carácter 
técnico, con especializaciones. Conformada en dos niveles: uno básico, de dos años, y una especialización en un año. Esos estudios estarán divididos en trimestres. Los años básicos nos permitirán dotar a los estudiantes de los conocimientos esenciales para desarrollar y además apuntalar su participación en cualquier actividad de las artes 
escénicas. Así como dotarlo de las herramientas necesarias que contribuyan a la toma de una decisión acertada en cuanto a la especialización. Un año de especialización permitirá que el estudiante se adecue al área que más le interesa en su formación, Profundizando en ella cada una de las materias indispensables para su desarrollo. Ese año servirá a su vez para que bajo la guía de expertos en el área puedan llevar adelante los trabajos prácticos necesarios que le permitan involucrarse de manera directa en el quehacer teatral y que les servirán como trabajo de grado. Son tres años de estudios académicos. Por ahora, porque recién estamos empezando,en Escénica tenemos: mercadeo escénico, dramaturgia, dirección, actuación y diseño escénico.
¿Desde cuándo en estos avatares del teatro?
Desde 1979, hace un poco más de 38 años, marqué mis inicios con el grupo de teatro Bagazos, fundado en el colegio El Ángel. Una experiencia única para esa época, con la participación de alumnos profesores, padres, personal administrativo y obrero del colegio. Desde ese momento y hasta hoy mi objetivo principal ha sido abrir espacios para la formación teatral. Ya hace 46 años de mi primer encuentro con un grupo de alumnos. Mi profesión soy docente de profesión y siempre me he dedicado a educar, a formar o, en el sentido más estricto y hermoso de la palabra, a intentar ser maestro. 
¿Cómo será este diplomado que usted comanda?
Esto es un sueño, una idea siempre presente ,poder abrir un espacio de formación académica  para el encuentro y la preparación del hombre y la  mujer de teatro, donde los principios éticos tengan una importancia primordial . Esta idea se materializa gracias al encuentro y coincidencia en la idea de la creación de una escuela de teatro, con un excelente y brillante ser humano:  el maestro y gerente cultural Salvador Itriago, creador del Centro de Artes Integradas  y con su hija Trina Itriago, que toma el testigo del  proyecto. Es así que nace Escénica, Centro de Formación para el Teatro. Nuestra primera tarea fue elaborar los programas de estudio, tarea que realicé con el gran apoyo y participación de Inés Muñoz Aguirre. Juntos convocamos y coordinamos a un grupo de reconocidos profesionales que fueron elaborando los programas sobre los que se fundamentará nuestro centro de formación para el teatro .El pénsum académico de Escénica es moderno e innovador.  Tenemos que agradecer el trabajo y dedicación de los especialistas que participaron en la elaboración del mismo: Matilda Corral diseñó el programa educativo de Actuación I y II; Costa Palamides elaboró el programa de Dirección;  Valentina Sánchez, Aspectos técnicos de la puesta en escena; Felix Humberto Herrera, El cuerpo y la Escena; Pedro Ignacio Muñoz desarrolló el programa de El Arte de Escribir ; Elio Palencia diseñó la cátedra de Ética, Teatro y Texto teatral; mientras que Tito Fuentes fue el encargado del programa  de Historia Universal.  Ignacio Márquez por su parte está al frente al programa de Teatro, Cine y Televisión.  Y Producción a Mariam Krasner. Y perdona que repita que nuestro diplomado tiene una duración de tres años, dos de estudios básicos y uno de especialización. Estos estudios serán abordados trimestralmente. Las especializaciones son: Dramaturgia, Dirección, Actuación, Diseño escénico y Producción.
MONTAÑA CREATIVA
¿Qué se busca con esta actividad académica?
Queremos formar profesionales comprometidos con un teatro de calidad. Buscamos fomentar en nuestros alumnos la constancia, la disciplina, el esfuerzo, la ética, la creatividad, el compromiso el aprendizaje, una formación integral. Sabemos que no es fácil, pero creemos que sobre estos principios se fundamentan los cambios que tanto necesitamos.  Escénica forma parte del Centro de Artes Integradas (CAI) y funcionará en la Montaña Creativa. Cuenta con las instalaciones de la Caja Teatral, sede del Grupo Bagazos, en la Urbanización Terrazas del Ávila, Avenida Universidad Metropolitana, primer cruce a la izquierda, edificio Centro de Artes Integradas. Teléfonos: 0212-24238382421161. El personal directivo lo conforman: Trina Itriago, directora del Centro de Artes Integradas y de la Asociación Venezolana de Conciertos; Gerardo Blanco López, director de la escuela Escénica Centro de Formación para el Teatro y director del Grupo Bagazos; y Pilar Pérez Baldó, coordinadora de las escuelas del CAI. Están incorporados para el inicio del primer trimestre de nuestra escuela el 29 de Enero, los docentes Matilda Corral (Actuación), José Tomás Angola (Dirección), Valentina Sánchez (Aspectos técnicos de la puesta en escena), Ignacio Márquez (Diferencia entre teatro cine y televisión), Carolina Rodríguez (Ética y teatro) y Rebeca Gómez (El arte de escribir).

lunes, noviembre 13, 2017

"El rompimiento" se muestra en tres escenarios caraqueños

El rompimiento para festejar al teatro nacional.
La Compañía Nacional de Teatro (CNT), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura desde 1983, no ha detenido sus labores internas y externas para llevar los mejores espectáculos venezolanos y universales a sus audiencias. Y ahora exhibirá el triple montaje del legendario sainete criollo El rompimiento, de Rafael Guinand, desde el viernes 17 al domingo 19, en tres escenarios caraqueños diferentes.
Estrenado 5 de enero de 1917, en el teatro Nacional, El rompimiento es el sainete elegido por la directiva de la CNT para conmemorar además los 67, años de la muerte de  su ilustre autor Rafael Guinand, nacido en Caracas en 1881, y, como es obvio, el  primer centenario de su estreno el 05 de enero de 1917. Tampoco se puede olvidar que hace 30 años, la CNT lo escenificó y ahí actuó el primer actor Rafael Briceño.
En este sainete, El rompimiento, se muestra la doble moral expuesta a través de un personaje caricaturesco (Esparragosa), que es la excusa para representar las costumbres éticas y morales imperantes en la primera década del siglo XX en la capital. Detrás de este sainete se oculta una sátira aguda sobre el tipo de vida que hacían las madres y las niñas casaderas, el lleva y trae de los vecinos, el jovenzuelo que enamoraba a unas cuantas mujeres y a pesar de todo sale airoso de sus embrollos.
 El elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que fue seleccionado en un severo casting, trabajó en los tres montajes o versiones escénicas de El rompimiento. Livia Méndez dirigirá la versión musical y será un montaje para teatro de calle que se estrenará en la plaza Bolívar de Caracas, mientras que Luis Domingo González hará una escenificación tradicional o clásica en el teatro Nacional y Arturo Santoyo tendrá a su cargo una versión experimental para ser exhibida en la Casa Natal del Libertador. .
VISION DE LOS DIRECTORES
La directora y actriz Livia Méndez, que se vinculó por primera a la CNT en la temporada de 1986, y que ahora   llevará su musical a la plaza Bolívar (domingo 19, 3PM), considera que el sainete es una pieza breve jocosa y tradicionalmente popular, “nunca pierde vigencia porque refleja siempre la realidad y retrata los arquetipos sociales”.
Manifiesta que su montaje se exhibirá en la plaza Bolívar caraqueña, donde sus actores además cantaran, durante la escenificación de una retreta con orquesta. “Mis actores son una maravilla y así lo demostrarán al público en la tarde del 19 de noviembre, posiblemente. Creo que El rompimiento está muy vigente, 100 años después. Y además esto hace parte de un homenaje de la CNT a Rafael Guinand y Rafael Briceño, quien  lo hizo travestido en las temporadas de los años 80 de la Compañía Nacional de Teatro, que para ese época la dirigía Isaac Chocrón, su fundador.
 El director y actor Luis Domingo González afirma que el sainete como estructura teatral es universal y tiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes. “Mi montaje es tradicional y mi elenco ha cuidado mucho sus personajes porque deben adecuarse al lenguaje de la época. Se mostrara en el teatro Nacional, sede artística de la institución productora, del viernes 17 al domingo 19, a las 5PM".
Arturo Santoyo, el más joven de los puestistas y quien trabaja con una puesta en escena no tradicional, no duda en afirmar que el sainete, y en particular El rompimiento, es una pieza teatral de alto contenido critico a la sociedad de su tiempo y también alude a la época actual venezolana, por su arquetipos, "porque seguimos siendo los mismos, cien años después. Hemos cambiado en el vestuario y en la música, pero las costumbres son las mismas. Mi montaje sale de los espacios escénicos tradicionales y buscar llegar o contactar al público más directamente. Lo debo mostrar en una casa colonial, en su patrio central. Mi elenco ya capto la esencia de los personajes y lo que pretendía el autor. Se presentara en un espacio especial de la Casa Natal del Libertador, desde el viernes 17 al domingo 19, a las 3PM”.
 ELENCOS
Los seis personajes y un presentador, para las tres puestas en escenas, serán encarnados, alternamente, por Aura Rivas, Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz y Juan Manuel Pérez para el montaje del director González.
  Livia Méndez, Edilsa Montilla, Juliana Cuervos, Ludwig Pineda, Francisco Aguana, Orlandys Suárez y Dayana Cadenas en la puesta en musical que aborda Livia Méndez.
Varinia Arráiz, Marcela Lunar, Kala Fuenmayor, Maria Tellis, Trino Rojas, Kelvin Zapata, Larry Castellanos, Sandra Moncada, Ana González, Yaimira Martínez, Keudy López y Julio Enrique García, bajo la dirección de Santoyo


Caracas baila tango

Un   conversatorio  sobre  la visita de Gardel a Venezuela,  así  como el impacto del ritmo  del dos por  cuatro, en la  sociedad  venezolana; y la importancia, como espacio cultural,  de las peñas tangueras;  tendrá lugar, en el marco del Encuentro Nacional de Tango, con la  participación del  Encargado de Negocios de la Embajada  Argentina,  Eduardo Porreti,  y el  guitarrista, arreglista, compositor y productor musical, Aquiles Báez,  el martes 14 de noviembre, de 6:30 pm a 7:30 pm, en el Centro de Arte los Galpones, ubicado en la Octava Transversal  con Avenida Ávila,  Los Chorros.  
     LA POPULARIDAD DEL TANGO
   El tango, que   nació en el Rio de la Plata entre Argentina y Uruguay se convirtió en uno de los géneros musicales, cuya presencia se ha vuelto familiar, al que le rinden culto hombres y mujeres de todo el planeta; al punto de convertirse en Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, según la Declaración emitida por El Comité Intergubernamental de la UNESCO el 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo. 
    En la nominación, se describe al tango como “un ejemplo del proceso de la sedimentación cultural” y “de la transformación social a través del tiempo”.  Y como un baile seductor con letra melancólica que debe ser salvaguardado. El tango "personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo".
   En Venezuela, la presencia del tango se remonta a la primera década del siglo XX, son muchos los seguidores de la música, la danza y la poesía del tango.   Un ejemplo, lo tenemos en la campaña del cantante Luis Felipe Izquierdo, quien logró, en 1960,   reunir 30.000 firmas, para que se le diera el nombre de Gardel a una calle en la capital venezolana.
          LOS INVITADOS
   Eduardo Porretti, (Entre Ríos, Argentina, 1963),  es un narrador que se desenvuelve con acierto entre la escritura de ficción y el ensayo, con creaciones como “Naturaleza Humana”, compuesto por 31 relatos escritos en La Habana, durante su desempeño en el cargo de Consejero Cultural de la Embajada de su país en Cuba, (Ediciones del Dragón).   Recientemente, en agosto pasado, presentó “Geografía Anímica” de la editorial El Estilete, responsable de la publicación del libro de relatos en Venezuela.
   Porretti, estudió Ciencia Política en la Universidad Nacional de Rosario; Ciencias Sociales en FLACSO. Master en Global Affaires, New School for Social Research.   Desde 1993, se desempeña como miembro del Servicio Exterior de la Nación Argentina. Por sus labores diplomáticas, estuvo en las delegaciones de Argentina en Colombia y Cuba. Antes de llegar a Venezuela para asumir como Encargado de Negocios, trabajó en la Misión Permanente de la República Argentina ante las Naciones Unidas.
Aquiles Báez (Caracas, 1964) Es un guitarrista, arreglista, compositor y productor musical, considerado como uno de los artistas más importantes del país. En su biografía destaca su participación en el documental Calle 54 del español Fernando Trueba, documento que registra la escena musical latina en Nueva York.  Estuvo también en el proyecto Outro Centro de América Contemporánea grabado en Sao Paulo, Brasil; grabó en el disco La passion según San Marcos publicado por la Deutsche Grammophon. Tiene en su haber más de 13 producciones discográficas.
   En 2006, grabó junto al tenor Aquiles Machado La Canción de Venezuela, volumen I, del cual también se editó un DVD. Tres años después repitió con La Canción de Venezuela, volumen II, que reunió una vez más a Báez y Machado pero sumando a otro grande de la música: Alexis Cárdenas.   Báez ha compuesto música para cine, teatro, danza, televisión. Es fundador junto a Ernesto Rangel de Guataca Producciones.



domingo, noviembre 12, 2017

Para no olvidar a Lorca

Actores de  relevo para no muera el teatro criollo.
Hizo una breve temporada en el Teatro Alberto de Paz y Mateos el espectáculo Federico y Dióscoro, dirigido por Maigualida  Gamero, el cual regresará a los escenarios durante año próximo,como no los dijo esta aguerrida teatrera.
Este Federico y Dióscoro, del autor español Rubén Burén (Madrid, 1974) es un texto, de estructura   nada convencional, donde se combinan la narrativa novelesca y la técnica teatral, lo cual impacta porque obliga a reflexionar sobre los últimos días del escritor Federico García Lorca quien es encarcelado, presuntamente, por su condición sexual, y recrea  lo que pudo ser aquel desasosiego carcelario. Es pues, una dura crítica a un sistema que corroe que anula al ser humano. Sin embargo entre ensoñaciones y poesía se van develando secretos y podemos ponderar la condición excluyente de ciertas sociedades.
No hay nada nuevo bajo el sol, como enseña el rey Salomón en esta pieza, todo es conocido gracias a otros autores que han pretendido recrear las horas finales del autor de La casa de Bernarda Alba. Eso no es malo ni bueno, simplemente no es novedoso, pero se acepta por todo el trabajo ahí presente. Creemos que el autor hispano venezolano José Antonio Rial es quien mejor plasma esas horas finales en su texto La muerte de García Lorca, gran espectáculo de Rajatabla cuando vivía Carlos Gimenez.
FRATRICIDIO ESPAÑOL
Ahí, en un acto, no superior a los 75 minutos de representación, se muestra a Federico vinculado a Dióscoro en una celda de condenados a muerte, un maestro transgresor; de igual manera nos presenta a Luis Rosales, un gran amigo del escritor, el único contacto con el exterior. Rubén Burén logra crear un texto que se construye fragmentariamente como una película, una especie del discurso cinematográfico que nos lleva a una propuesta estética y escénica multimedia que se conjuga desde la puesta en escena con videos y microfónicas, como advierte la directora Maigualida Gamero.
Hay que recordar que hace 81 años España se desangraba en fratricida contienda. Una guerra civil por injustificables motivos escindía la historia de una nación que había imperado en Europa y América, pero que por la intolerancia de los bandos enfrentados se convirtió en cadalso de caínes y abeles. Las consecuencias todavía atormentan y desvelan a descendientes de víctimas y vencedores. Nadie quiere otra brecha igual.
En la larga lista de ese millón de muertos que dejó como saldo, hay un nombre en especial que evocamos, porque, precisamente, el 18 de agosto de 1936 fue fusilado el poeta y dramaturgo Federico García Lorca, a los 38 años. Todo un artista de sólidos principios y no un soldado o un guerrillero de pacotilla, a quien los fascistas eliminaron, creyendo que así lo borrarían de la historia. ¡Jamás! 
García Lorca es uno de esos artistas de quien casi todo el mundo ha oído hablar pero al que, lamentablemente, muy pocas personas han leído a fondo. Su personalidad extravagante, además de la forma tan trágica como murió, desgraciadamente ha opacado sus verdaderos logros y su importancia como escritor de vanguardia. Algunos recuerdan más su sórdido final y no lo otro, lo que rompe el silencio de los tiempos, su obra.
Federico, por muchas declaraciones escandalosas que había hecho para defender al socialismo de la república española, y por haberse convertido en una ‘loca pública’, había despertado el odio de conservadores y reaccionarios españoles. Estaba marcado y que sus enemigos querían deshacerse de él, a cualquier precio. Y así lo hicieron, pero su obra ha derrotado al tiempo, una victoria por encima de la muerte.
El documental Lorca. El mar deja de moverse, de Emilio R. Barrachina, desvela que la muerte del célebre escritor “nació en el seno familiar”. Ahí se afirma que Juan Luis Trescastros Medina, casado con una prima lejana del padre del poeta y dramaturgo de Fuentevaqueros, sería el autor material de su muerte, “Fue quien, después del asesinato, fue contando por ahí que le había metido dos balas en el culo por maricón”, dijo el hispanista Ian Gibson, uno de los historiadores que más profundamente investigo este episodio. En ese documental están las palabras de 25 personas y las de Rafael Amargo, quien declara que a Lorca lo mataron sus primos. “El run, run popular de que los familiares eran los instigadores, ahora se confirma”, dice.
El documental acredita que la homofobia “como componente político” es también “una de las causas de la muerte del poeta. Siempre se ha tratado de tapar su homosexualidad, incluso por parte de la izquierda, porque un mártir de izquierda no podía ser homosexual”, dice Barrachina.
ESPECTACULO 2017
Federico y Dióscoro es un juego de la mente hecho teatro, donde Isaac De Lima encarna al poeta, Carlos del Castillo es Dióscoro y Ademir Alfonzo es Luis. David Blanco es el responsable de la iluminación, mientras que el diseño de la escenografía es de Armando Zullo. Y la creadora de todo eso ritual es Maigualida Gamero, como una directora general de una densa ceremonia con ritmos de lectura dramatizada y de teatro de acción que se alternan. Toda una producción bien lograda y digna de aplauso, además de oportuna para los tiempos que se viven en la patria de El Libertador.


sábado, noviembre 11, 2017

Buscan investigadores y escritores del hecho teatral

El Centro Nacional de Teatro, CNT, extendió prórroga para participar en el Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 hasta el 30 de noviembre para que creadoras, creadores, gestores culturales, organizaciones, investigadores, docentes, estudiantes y la comunidad de las artes escénicas en general envíen sus proyectos en la búsqueda de fomentar la construcción de conocimientos y saberes teatrales.
Los aspirantes a esta segunda edición del premio podrán enviar sus ensayos (un solo trabajo de investigación de acuerdo a su categoría) asumido de forma literaria y también como espacio creativo de desarrollo e investigación desde sus procesos de gestión y prácticas artísticas para acercarnos al hecho teatral y a la reflexión desde “el hacer”.
El Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 que promueve la institución, de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), tiene como objetivos fomentar la investigación y construcción de conocimiento desde la praxis escénica y teatral actual; con temáticas desde la formación, aprendizajes y diálogos de saberes, diversidad de integración y desde la acción social, con aspectos simbólicos e imaginarios que divulguen el pensamiento creador del teatro y artes escénicas de nuestro país.
El Centro Nacional de Teatro en apoyo a la creación artística, asegurando la incorporación de nuevas estéticas y lenguajes para la construcción de la hegemonía cultural bolivariana, otorgará cuatro premios en metálico, según las categorías: Creadores, gestores o investigadores emergentes y Creadores, gestores o investigadores de amplia trayectoria, con primer y segundo lugar, respectivamente.

Los ensayos ganadores serán publicados en un libro de formato digital de circulación libre. Los requisitos para participar e inscribirte en el Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 lo puedes descargar en la página web del Centro Nacional de Teatro: www.cnt.gob.ve. Para mayor información puedes comunicarte a través de los números de teléfono: (0212) 481.2147/7306/0715/2227. Además síguenos en Twitter: @CNT_Venezuela y Fan Page Facebook: Centro Nacional de Teatro.