sábado, mayo 26, 2012

Nazifascismo en Caracas


Gracias a Dios-el único que puede impedirlo-en América no hubo, ni hay  hasta ahora, intensos experimentos sociopolíticos como los que hicieron los nacionalsocialistas (nazis) en Alemania (1933-1945) y los fascistas en Italia (1922-1945). Sus líderes Adolfo Hitler y Benito Mussolini, quienes sí generaron y participaron en la Segunda Guerra Mundial, pagaron con sus vidas y las ruinas de sus naciones tales torpes apetencias de insensato poderío.
La tentación nazifascista acompaña a los  gobiernos americanos,  como sucedió en el  Cono Sur. Nunca se aplicó con el rigor italogermano, aunque no escasearon asesinatos y persecuciones racistas o étnicas.  Este continente no está vacunado contra tal maldición, pero las izquierdas políticas y culturales duermen con un ojo abierto por si acaso  “el huevo de la serpiente” vuelve a ser empollado.En esta Caracas libertaria hubo amagos mussolinianos en los años 40 y  los judíos estuvieron en la mira, pero el partido militar cambió de  diana y apuntó para otro lado, aconsejado por los sionistas de la Casa Blanca. 
 Nadie ignora en este siglo XXI los excesos nazifascistas porque  los medios de comunicación y la superindustria audiovisual, acrecentados desde los años 50,  han fabricado  una multisápida panoplia de espectáculos donde los archimalos ya se sabe quiénes son y además se reitera que no resucitarán, aunque  George Orwell, en su novelón  1984 , vislumbra  como la humanidad está amenazada por otro Frankestein, similar al de Hitler y Mussolini, aunque la reacción, quizás adelantada, han sido los movimientos de los indignados que recorren a Europa y parte de este balcanizada América para pedir o imponer un autentico cambio social.
Sin pretender rivalizar con ese emporio comunicacional, el venezolano Luigi Sciamanna ha recordado la maldad nazifascista con su obra La novia del gigante,  rocambolesca historia de amor de la  guía Lidia Montalcini (María Fernanda Ferro) de la Galería de la Academia de Florencia- que exhibe la monumental escultura  “David” de Miguel Ángel Buonarroti- y la estrujante persecución antisemita que le montan el comandante Talo( Antonio Delli) y su médico esbirro (Gerardo Soto), bajo las impotentes miradas del Cardenal de Florencia (Armando Cabrera) y el profesor Innocenti (Elio Petrini).Todo eso dentro de la alucinante alianza de Berlín y  Roma para apoderarse de Europa y del mundo.
Vimos dos veces este espectáculo ante la seriedad de su argumentación y el ultra profesionalismo del autor y director, además de las brillantes caracterizaciones, especialmente de la Ferro y Delli. Sin embargo, la pieza es  redundante en la información sobre  la locura nazifascista y la conducta de la Iglesia para no ser avasallada por los poderes terrenales, lo cual alarga  innecesariamente el discurso y el tiempo escénicos. Es, dicho en términos gastronómicos, mucha guarnición para servir la carne de cordero de esa cena teatral, o sea el sacrificio de esa amorosa judía italiana, y el tiempo es ahora muy importante en estos  inseguros tiempos. 

Twitter apuntala a High


Mimi Lazo y su esposo Luis Fernández, productores y actores reconocidos, tienen cuatro espectáculos teatrales comerciales, por los cuales cobran taquilla en Caracas y donde se presenten: High, A 2,50 la cubalibreEl aplauso va por dentro y No eres tú soy yo. Divierten y educan a la población venezolana, porque van al interior de la república y por eso en 10 años tienen más de dos millones de espectadores. Pero el éxito no siempre es dulce, también las envidias intentan desanimarlos o quitarles el sueño, “pero todo eso  es infructuoso”, como lo cuenta aquí Fernández:
-¿Cuál es el negocio del teatro comercial?
-La etiqueta "comercial" me parece una soberana imbecilidad. Hay teatro bueno y teatro malo. Hay teatro que provoca catarsis, estremece, cautiva, entretiene y modifica y tiene éxito y está lleno. Y  hay teatro aburrido y sin propósito concreto más que la alabanza de egos no reconocidos. Con nuestro teatro, muy heterogéneo, nos proponemos que todos ganen y que el ejercicio de nuestra vocación no sea una empresa cómoda y subsidiada, sino una constante y proactiva investigación del tiempo que vivimos y que tenemos que representar. En el teatro se puede ganar bien, incluso más que en televisión y, por supuesto, trabajando con mayor dignidad. El asunto es que el actor, que por naturaleza tiene una personalidad pasivo-agresiva y vive adicto a la queja sin propósito, lo quiera entender y tome las riendas de su propia carrera, cosa que la mayoría prefiere no hacer. Cada quien con sus decisiones.
-¿Cómo marcha High, según taquillas en Caracas, el interior venezolano y además Bogotá?
-High es una sorpresa. Estamos pasando ya  los 15 mil espectadores. No esperábamos la respuesta masiva del público. Esto demuestra que la audiencia no sólo está preparada para temas adultos, sino que está ávida de ellos. Sobre todo si vienen con una alta factura de producción, una propuesta contundente y una entrega actoral como la de Carlota Sosa y Christian McGaffney. High ha sido un logro en muchos niveles y aún estamos estudiando meticulosamente las razones del éxito y el comportamiento del público, que es el que siempre tiene la última palabra. Yo me formé viendo las grandes producciones de Rajatabla, la Compañía Nacional, Theja, Nuevo Grupo, Ga80. Conocí los procesos de Carlos Giménez, José Simón Escalona, Ugo Ulive, Gené. Era un maravilloso teatro. Mimi trabajó además con todos ellos y sabe por experiencia lo que representó ese teatro del 85 al 95 para una sociedad volcada a las salas. Como público nos sentíamos respetados y valorados, entendíamos que lo que íbamos a ver era una experiencia de vida que se quedaría con nosotros por siempre. Los clásicos te hablaban directamente a ti, las obras contemporáneas te retrataban y estremecían en lo más profundo, uno salía del teatro vivo y despierto. Esa, salvando las enormes distancias, es siempre nuestra meta e inspiración. “High” es un humilde homenaje a todos ellos, a Giménez y Escalona, a Ulive y Gené, mis influencias evidentes.
-¿Qué reacciones ha recibido la pieza?
-High ha recibido una sobrecogedora aprobación colectiva, la verdad. La reacción del público tanto en Venezuela como en Colombia ha sido impresionante. Algunos se ofenden, claro, es inevitable. Por ejemplo un grupo en Valencia autodenominado “Las Madres de Familia de la Iglesia Don Bosco” intentó detener nuestras presentaciones en esa ciudad. Comprendo estas reacciones y las valoro, pues es la controversia mi zona de comodidad. De hecho sé por experiencia que estas reacciones las puedo utilizar para la promoción del espectáculo con gran beneficio. Cuando los anónimos de un foro de Noticiero Digital propusieron boicotearme una función de No eres tú soy yo en el Aula Magna de la UCV, lograron que se agotaran las 2600 entradas días antes del evento, así que invito a todos los grupos radicales conservadores y a las amas de casa insatisfechas de la ultraderecha religiosa a que manifiesten contra “High” ¡Me ahorrarían mucho en promoción!
-¿Cómo se comportan las redes sociales para la promoción?
-Una de las grandes sorpresas ha sido la manera como la gente se vuelca a comentar High en Twitter y Facebook a la salida de la obra. Esto se nos presentó por sorpresa y ha sido una herramienta invalorable para construirnos un boca a boca virtual que ha repercutido beneficiosamente. No tengo cómo agradecer los comentarios eufóricos que nos dirigen a la salida de la obra. Por un lado gratifican nuestro ego de artistas, cosa clave para que el ego se aplaque y no sea el motor único de nuestras iniciativas, por otro nos reafirman que estamos haciendo algo correcto, que estamos poniendo el dedo en la llaga necesaria, y por último, son cruciales en el éxito de esta temporada.
-¿Con High han descubierto la formula de la gallina de los huevos de oro?
-No hay fórmulas,  eso ya lo sabemos, y el que crea que dio con la fórmula del éxito está ya planificando su próximo gran fracaso.
-¿Cómo es la relación con el autor de High?
-Matthew Lombardo recibió un adelanto por los derechos sobre el 10% de taquilla, una vez cubierto ese adelanto, le enviamos ahora mensualmente el 10% del bruto de la taquilla. Es así como se hace con todos los autores generalmente, aunque hay casos en los cuales se llega a otra clase de acuerdos.
-¿Qué pasará con High?
-Espero tener High todo el año en temporada. Una vez culminada la temporada en Trasnocho, dependiendo de las prórrogas que nos otorguen, esperamos encontrar otro espacio que la albergue. Ya estamos moviéndonos en ese sentido. Creo que es importante comprometernos a no bajar de cartel una pieza que sigue llenando la sala. Estamos entrenados gracias a nuestros seguidores a temporadas largas, así que encontraremos la manera de mantener High en cartel.
-¿Es cierto que ustedes no quieren trabajar sino sus proyectos?
-No es cierto. Sólo que es cuestión de agendas. Es mucho el trabajo que lleva no sólo montar las obras y actuarlas, sino gerenciar una empresa. De hecho este año tenía muchas ganas de actuar en Closer, que dirige Héctor Palma o en una versión que hace Juan Souki de Crimen y Castigo, ambos directores que respeto mucho y con quienes me encantaría trabajar, específicamente en este par de propuestas que me parecen absolutamente pertinentes en nuestro momento, pero no tengo tiempo para comprometerme a un proyecto externo de teatro por ahora. Estamos preparando un espectáculo para enero 2013 con Mimi. Por ahora seguimos con las temporadas de nuestros cuatro espectáculos en cartel.
-¿Actuar en High y en A 2,50 la cubalibre y además hacer un unipersonal significa agotar al cuerpo humano y exponerse a riesgos innecesarios?
-En lo absoluto. Ciertamente hay días en los que el agotamiento prevalece, pero nunca es más de lo que se nos explota a los actores en una telenovela trabajando 14 horas al día de lunes a sábado. Además, no hay mayor placer que hacer exactamente lo que uno quiere hacer, eso no tiene precio. Nosotros lo valoramos mucho y agradecemos en todo momento el respaldo del público que nos lo hace posible.
MAS DE DOS MILLONES DE ESPECTADORES
       -Hace mucho tiempo que no nos interesa hacer obras en las cuales haya más gente en el escenario que en el público. El teatro es texto, actor y público y si falla una de esos vértices ya no hay teatro. Siempre digo que una comedia con contenido hecha por un actor profesional famoso para una sala llena es mucho más teatro que un Shakespeare hecho por malos actores para cuatro personas. Esto no quiere decir que desestime los clásicos, por favor, los hemos hecho, y mucho, pero no tiene ningún sentido hacerlos si estos no le hablan directamente al espectador. Si no hay una conexión entre el público y lo que sucede en escena no ocurre catársis alguna y todo el esfuerzo de montar una obra resulta un despropósito petulante. Creo que Hamlet se puede montar, pero no para que la gente diga que uno es culto y elevado porque monta Shakespeare, sino para conectar esencialmente con el espectador a través de la potencia de Shakespeare, por cierto, el gran autor de teatro "comercial" de su época. Ahora bien, muchos teatreros culturosos desestiman por ejemplo El aplauso va por dentro o No eres tú, soy yo porque lo consideran ligero. La mayoría de ellos no los ha visto, para empezar, porque si algún hábito persiste en nuestro mundillo es hablar por hablar, y luego, si prestas atención al texto de ambos espectáculos, el asunto aunque cause la risa colectiva, no tiene nada de ligero. Si fueran comedias light no tuvieran miles de funciones a cuestas. Lo repito una vez más, los seudointelectuales del teatro subestiman a los espectadores y se sobreestiman ellos. El éxito hay que medirlo a varios niveles, por supuesto en primer lugar con la convocatoria. Nadie, aunque lo niegue, quiere hacer teatro para 30 personas en una sala de 300. Eso es triste, doloroso incluso. En segundo lugar, hay que medir el éxito por la repercusión de lo que se hace. Cómo nuestra propuesta modifica al espectador y lo sacude, con risa, con provocación, con temas, con tragedia, para que salgan de la sala estremecidos, reflejados claramente, cambiados, ávidos de comentar la experiencia y de volver al teatro. Así hemos cultivado en Lazo Producciones a más de dos millones de espectadores en los últimos 10 años. Gente que nunca había ido al teatro y que ahora viene y repite. Aburrir al espectador con posturas pretenciosas es un pecado de egocéntricos que no nos permitimos, y mira que somos egocéntricos. Me molesta ver como muchos teatreros miran por encima del hombro al público con sus propuestas petulantes. El público no les responde, porque no hay nada de esas propuestas que conecte con ellos. El tonito didáctico de los que pretenden "elevar el nivel" del espectador es bochornoso, no tiene repercusión alguna y hace mucho daño al teatro ahuyentándole espectadores que se niegan a pagar por aburrirse.



sábado, mayo 19, 2012

Yekuana en Teatro UCAB


Hemos disfrutado del étnico espectáculo Iakere y los espíritus, hermosa  y fina teatralización de la leyenda yekuana sobre Medatia, quien viajó al cielo en busca del dios bueno Wanadi para aprender a luchar contra el dios malo Odosh, cuyos espíritus imperaban en la Tierra y hacían padecer necesidades a su comunidad.
Gracias al Teatro UCAB y su director Nicolás Barreto Rangel, quienes utilizan la versión que José Rafael Briceño elaboró a partir del cuento de Henriett Arriaza sobre la  fábula de Medatia, pudimos ponderar y disfrutar aquel fantástico viaje del mítico yekuana quien supera, gracias a su astucia, los peligrosos obstáculos que le impiden avanzar, al tiempo que se hace sabio y  finalmente retorna para enseñar a su pueblo que todo se puede hacer o lograr gracias a “la fuerza del querer”, especie de cántico o conjuro sagrado capaz de impulsarlos a la lucha contra las adversidades.
En ese canto sagrado, los yekuanas se plantean reconocer  la dimensión real de la vida, encontrar las respuestas en ellos mismos y sin esperar que otros vengan a resolver o arreglar sus dificultades. Es la fortaleza espiritual del hombre o la mujer lo que debe enfrentar los males de la Tierra, a partir de la fuerza del querer, del yo puedo hacerlo. ¡Sabias palabras de una cultura milenaria!
Pero lo notable del montaje, que firma Barreto Rangel, es el segundo nivel que se desarrolla dentro del espectáculo, y de ahí su nombre, donde el niño yekuana Iakere perdido en la selva escucha el conjuro de “la fuerza del querer”, lo entiende, lo asimila y finalmente reencuentra a su madre que también estaba extraviada y regresan juntos a la tribu para derrotar, como Medatia, al hambre,  las enfermedades  y  la tristeza.
Uno se pregunta qué vasos comunicantes hay entre la cultura yekuana y la griega, especialmente con Prometeo y otros  fantásticos personajes que salvaron al género humano en sus primeras etapas civilizatorias. Y todavía, en este proceloso siglo XXI que no termina de arrancar, hay muchas dudas e interrogantes que nos acosan.
Si la versión teatral es sintética y respetuosa de la cosmogonía yekuana, captada por el escritor Arriaza, capaz de atrapar con sus rituales al público, lo mismo podemos decir del lúdico montaje, dentro del más sólido y bien ensayado teatro físico, donde 21 jóvenes intérpretes, usando pulcra y convincente coreografía y además un vestuario apropiado (monos negros y cintas multicolores, además de máscaras alusivas), crean el espacio y los personajes mágicos que acompañan a Medatia, por un lado, mientras en otro nivel al muchacho Iakere y su madre viven prólogos, desarrollos y desenlaces de sus historias paralelas. Hay un manejo súper profesional del elenco y además una marcación milimétrica para los actores. Algo que no es frecuente en producciones universitarias, pero que en la UCAB es norma monolítica.
Es larga la lista de los  teatreros ahí involucrados- su edad promedio no supera los 23 años- y  por eso exaltamos a Romer González, Ámbar Chacín, Ricardo Espinoza,Jorge Patiño, Caterina Nastassi, Desirée Castro, Andrea Moreno, Gabriela Medina, Verónica  Jiménez, Andreína Montilla, Vaneska Viloria, Daniel Puga, Eduardo León, Mariela Segovia, Diego Maggi, Ayleen Cabas, Ligia Pérez, Eugenia Morgado, Marcel Serrano, Isaac Perezosa e Ivanova Marcano.
Cabe subrayar que el Teatro UCAB, fundado en 1975 por Virginia Aponte, con no menos de 100 montajes y unos 60 miembros activos, es referencia obligada para la historiografía de las artes escénicas, por ayudar a  formar actores y público. Ha salido de los muros  universitarios y se ha  mostrado en las comunidades caraqueñas de Antímano, La Vega y Carapita, y además en el poblado merideño de San Rafael de Muchuchíes, el más alto de Venezuela, donde tiene un singular espacio para las actividades culturales.
En síntesis, Teatro UCAB adelanta una tarea silenciosa, ignorada en la mayoría de los medios de comunicación, pero nunca por miles de familiares y allegados  de los estudiantes y el profesorado, además del agradecido público.

Teatro para toda Venezuela


El grupo Thalía realiza otra temporada con  su pieza infantil musical Pinocho y la princesa Belleza, escrita, dirigida y producida por Carmelo Castro, la cual es presentada los sábados a las 5:30 PM y los domingos a las 11:30 AM, en el Teatro Escena 8, en la calle La Guairita con calle Hípica, Las Mercedes.
-¿Para qué el teatro  para niños y niñas?
Carmelo Castro, quien  fundó a Thalía con José Manuel Ascensao para hacer un teatro producto de la investigación y la experimentación, dirigido tanto a niños como a adultos, explica que, en lo personal, el teatro para niños y niñas tiene por objeto, en primera instancia, divertir y además entretener. “Aunque esta última aseveración ha desatado polémicas con compañeros del género. Por eso hago hincapié en que ha sido mi visión durante los 30 años que llevo haciendo teatro para niños. Lo del mensaje de la obra, es una herencia del cuento clásico infantil que siempre debía contener una  moraleja y es que en tiempos lejanos era el instrumento más sencillo con el cual se educaba al niño en la casa, ya que la escuela pública, no existía o era escasa. Hoy en día, ya sabemos que la información la adquiere el niño a través de una multitud de medios y la enseñanza está sufriendo una gran transformación con todo el arsenal de la computación. Hasta el maestro, como figura, se va diluyendo en una especie de individuo que guía la adquisición del conocimiento. El libro va perdiendo adeptos (en países como España el ciudadano común lee un promedio de diez libros al año) pero no por eso se deja de aprender”.
¿Cuál es el mercado?
-Toda la población infantil del país. Esta es una nación de gente joven y basta con mirar las estadísticas. A lo anterior hay que agregar que a padres y representantes se les ha ido desarrollando “el olfato” y concurren a la mejor oferta. Yo los he escuchado, a la entrada de la sala, cuando comentan con mucho criterio, de otros espectáculos a los cuales han asistido o piensan llevar a sus niños. Me parece una buena señal porque hay una inquietud que se extiende a otras manifestaciones artísticas, como la necesidad prioritaria en la formación de los más pequeños. Además las convulsiones nacionales e internacionales, crean la prioridad de darle una opción de escape a la población.
-¿Cómo nace Pinocho y la princesa Belleza?
- A mediados de la década de los 90, del  siglo XX, José Manuel Ascensao y este servidor, convinimos en hacer un experimento que consistía en exponer al espectador infantil de finales de siglo y principios del nuevo milenio, a tres espectáculos inspirados en cuentos clásicos tradicionales, a saber: El gato con botas del  francés Charles Perrault; Alicia en el país de las maravillas del inglés Lewis Carrol y finalmente Pinocho del italiano Carlos Collodi. Así que llevamos a escena esta trilogía, de las cuales me encargué de la dramaturgia y  José Manuel de dirigir las dos primeras y yo la última. Nuestra meta era analizar cómo reaccionaba el niño ante la ficción tradicional.
-¿Hay más obras para el infantil que el de adultos?
- Si hablamos de Caracas, en el presente,  basta con mirar la cartelera y de los 40 0 50 espectáculos que se anuncian cada semana, a duras penas sobrepasamos un 15%. Hacer buen teatro infantil cuesta dinero y dedicarse con todas las energías posibles. Pesa el hecho de que la financiación por parte del Estado desapareció hace mucho tiempo.
-¿Cómo se organiza un grupo para estas obras?
- Si de algo estoy seguro es que actuar para público infantíl no es fácil. Nuestros buenos actores y actrices son gente especial. Disfrutan el personaje. En ningún momento son mecánicos y, sobre todo, respetan al público para el cual trabajan. La preparación es exigente, deben bailar, cantar y por supuesto actuar. Se dice que el que hace teatro para niños y teatro de calle puede actuar después para cualquier público. El grupo como ente esencial de la actividad teatral sigue apareciendo, el problema es mantenerse en el tiempo.
-¿Cómo compiten ustedes contra la violencia que transmiten las comiquitas de la TV?
-¿Quién dijo que los cuentos clásicos no son violentos? En el relato original, Pinocho aplasta al grillo contra la pared y también se le queman los pies con el fuego de la chimenea. En Los Cuentos de las mil y una noches abundan las decapitaciones, los maltratos,  las muertes sangrientas y hasta las violaciones. En La caperucita roja el lobo feroz se engulle a la abuelita. El gato con botas convierte al ogro en ratón y se lo devora… y pare usted de contar. Todo depende de cómo se maneje el tema. En lo personal creo que las ideas a tratar en el teatro dirigido a los niños deben ir acorde con la edad. He experimentado con diferentes tramas, evitando en ocasiones de no caer en maniqueísmo. Me he propuesto a promover ideas como la tolerancia, romper con las concepciones preconcebidas de belleza, el respeto a las ideas ajenas y lo más importante la necesidad de la libertad.
Balance de Thalía
Carmelo Castro revela que “la fecha oficial de nacimiento del Thalía es el 18 de septiembre del 1983,  cuando iniciamos los ensayos de Amalivaca una fábula. Hasta el presente hemos llevado a escena 26 obras, de las cuales  16 son para niños y niñas. De esas 16, sólo tres se inspiran en cuentos clásicos. Las otras 13, son completamente originales y van desde el tema conservacionista (Caballito de Mar), pasando por la mitología clásica (Hércules en el Olimpo, Premio Municipal de Teatro) e indígena (Amalivaca, una fábula, obra publicada y llevada a escena por otras agrupaciones)  hasta llegar al mundo de la cibernética (Una aventura para imaginar , Premio de Dramaturgia de Aveprote). Quisiera agregar además El país de caramelo, al cual mantuvimos durante 18 años en repertorio. En estos momentos preparamos un espectáculo inspirado en Laika, la perrita que enviaron los rusos al espacio al inicio de la carrera espacial y que nunca retornó a la Tierra.
Fabrica de actores
En esa múltiple actividad de toda agrupación que se mantiene en el tiempo, la preparación del actor es una exigencia primaria y vital. En casi 30 años de vida, de Thalía han egresado cantidades de actores y actrices que se han destacado después en otros grupos y en la televisión, como es el caso de: José Manuel Ascensao (miembro fundador), Javier Zapata (ya fallecido), César Rojas, Pavel Camarillo, Wilmer Ramírez, Karl Hoffman,  José Ángel Ávila y Natalia Capelleti entre muchos otros. Tampoco debe olvidarse que Thalía también ha hecho teatro para adultos.




sábado, mayo 12, 2012

Lágrimas de Arocha

Como la oferta de la cartelera teatral (más de 50 variopintos montajes) a veces luce “aburguesada” o “frívola”, hay directores que montan espectáculos que atraen y escandalizan al público, como lo hace Orlando Arocha y su agrupación Teatro del Contrajuego al presentar en la sala 2 del Celarg Las amargas lágrimas de Petra von Kant, rocambolesco melodrama del alemán Rainer Werner Fassbinder (31 de mayo de 1945 /10 de junio de 1982).
La obra plasma la historia de la arrogante diseñadora de modas Petra von Kant que cae rendida a los pies de Karin, joven atractiva que aspira ser modelo, quien además tiene un esposo en crisis. Ambas comienzan una atormentada relación de amores con celos y mucho licor de por medio, de la cual son testigos: Marlene (una asistente simbólicamente silenciosa), su hija, su madre y una amiga.
Los actores Ricardo Nortier, Julio Bouley, Javier Figuera, Djamil Jassir y Alejandro Díaz encarnan y dan vida, de manera muy convincente, a tal historia de amor con obstáculos y final amargo de unas féminas, mientras la actriz Diana Peñalver materializa otro personaje femenino.  Es una saga romántica con argumentación lésbica, que además usa comediantes travestidos, con la cual el director y versionista ha impactado a la audiencia del Celarg.
Orlando Arocha (Maiquetía, 5 de febrero de 1954) no es “monedita de oro” para algunos colegas y críticos, pero sí es un valioso teatrero que ha escalado con dificultades -porque viene desde muy abajo y sin padrinos- su personal montaña artística, donde acumula largo récord de excelentes y buenos montajes y otros de ingrata memoria; pero no se le puede negar que posee talento y además ha cultivado su oficio durante las últimas tres décadas.
Nosotros, desde la temporada 2006, le recomendamos a este teatrero que siguiera por la senda de las experimentaciones, que rompiera la cuarta pared, que moviera más sus actores y agrediera al público, que se saliera  de lo convencional y experimentara, porque sólo los que saben algo más del abecé teatral pueden hacerlo y no perecer en el intento, como decía Ugo Ulive cuando estaba en su apogeo como creativo director de escena. Se arriesga, no tiene miedo a equivocarse y recibir por consiguiente el rechazo del público y el cuestionamiento de la crítica.
Y por eso tomó Las amargas lágrimas de Petra von Kant-texto autobiográfico de Fassbinder, originalmente escrito para teatro y llevado al cine en los años setenta-y con este montaje, financiado por Goethe Institute de Caracas, materializa una relación donde el amor solo existe de una parte, porque la otra esta presa por sus ambiciones. El género desaparece y queda la esencia de los vínculos amorosos y los reveses del manejo de poder, según se degusta del acerado trabajo de Arocha.
El  vestuario de todas esas conspicuas mujeres teatrales  es realización de Joaquín Nández, mientras que el director diseña una pasarela ascética como espacio escénico donde cobra vida ese melodrama lésbico.


Nuevo teatro venezolano en Florida


La dramaturga Mariela (Ibarra) Romero, hija de esa gran trabajadora cultural que era Rosalía Romero, lleva 14 años en Florida, Estados Unidos de América, y nunca ha dejado de escribir telenovelas y comedias exitosas. Ahora tiene una empresa artística, El Nuevo Teatro, donde la acompañan varias actrices venezolanas y de otras  nacionalidades.
Mariela Romero, como es su nombre artístico para estar a tono con la estirpe de su inolvidable tío, el legendario músico Aldemaro Romero, nos contó que su teatro ha revivido, “gracias a mi proyecto El Nuevo Teatro”. Acaba de terminar “Mujeres de mala vida”, y ahora está empezando otra obra de dos personajes a la cual aún no le tiene el  título.
-¿Qué pasa con la TV?
 -Eso va muy bien, de eso he comido y vivido desde hace muchos años y, a Dios gracias, siempre estoy trabajando para algún canal.
-¿La docencia le atrae?
-La verdad es que sí, mucho. Desde hace tiempo descubrí que me gusta enseñar, de eso pueden dar fé todos los dialoguistas que he formado y que luego han volado solos. A  mí me gusta enseñar, porque lo que yo manejo es la escritura. Si tuviera que ponerme a dar clases de historia del teatro, por ejemplo, creo que no podría.
-¿Por qué dirige una empresa teatral?
-Desde que llegué a Florida he querido hacerlo. Porque a la ciudad de Doral, que es donde vivo, le hace falta una sala de teatro   y porque, en última instancia, si para hacer teatro hay que crear la empresa, pues perfecto, y además, porque cuento con gente muy colaboradora como Martha Pabón y Evelyn Mata Sarabia. Sin ellas no podría llevar el proyecto adelante.
-¿Cómo se gerencia una sala?
-Eso aún no lo sé, porque aún no tengo la sala, pero está en camino, pero de momento, estamos trabajando en un Café Bar. Hay bastante trabajo: organizar la programación, la promoción, hacer la producción y, a veces, como en el caso de Esperanza Inútil, también hacer la dirección. Pero, ¿sabes qué?, me divierto mucho, gozo con lo que estoy haciendo y, de paso, voy aprendiendo cada día nuevas cosas del teatro que no sabía. Y por supuesto, no puedo dejar de lado la inmensa satisfacción que todo esto me produce.
-¿Cuáles son los objetivos de su empresa?
-En realidad se trata de una fundación; como te dije antes, por ahora estamos en un Café Bar, pero ya estamos buscando la sala. No es sencillo, en Estados Unidos de América hay muchas exigencias para abrir un local para el público, porque hay que tener un montón de especificaciones, pero creo que ya casi las reunímos y mis únicas "socias" en esto son Martha y Evelyn, pero, además, tenemos un grupo muy nutrido de colaboradores, benefactores y patrocinantes, o sea, los que ponen la plata. Aparte de lo que sacamos por taquilla. No es fácil.
-¿Qué planes hay con ese espacio para el teatro en el estado gringo de Florida?
-Que sea un teatro para la ciudad de Doral, que llegue para quedarse, que sirva para presentar no solo los espectáculos de  El Nuevo Teatro, sino que también sea sede de otros grupos, profesionales en su mayoría, que no tienen donde exhibirse. También está en nuestros planes hacer teatro infantil con una de las mejores alumnas que tuvo Levy Rossell en su vida, después de mí... jejejejeje.
 -¿Toda la programación será en español?
-La ciudad de Doral en su mayoría está habitada por gente que habla español, pero también hay muchas personas jóvenes quienes, aunque entienden español, se defienden más con el inglés porque llegaron muy pequeños y es el idioma que  aprendieron en el colegio. Por tanto, todo lo que sea teatro infantil y juvenil será en inglés. También tenemos un grupo de amateurs que están haciendo un teatro muy interesante, más que todo de creación colectiva, ellos también van a trabajar con nosotros.
- ¿Cuál ha sido hasta ahora la reacción del público?
 -Buenísima, hay mucha gente feliz de tener un teatro en la ciudad, sobretodo porque esto sirve de presión para que la Alcaldía se ponga las pilas y construya un espacio teatral como debe ser. Por cierto, todos en la Alcaldía de Doral nos han apoyado mucho con este proyecto.
Monólogos a millón
En Salvatore House of Rock (9851 NW 58th St,Unit #110.  Doral, Florida, 33178), el espacio donde funciona la fundación El Nuevo Teatro, se inicio el Primer Festival de Monólogos con Tania Sarabia con Tania en su Tinta (9 y 10 de marzo) y han seguido mostrándose: Laura Ferreti y Sonrisa vertical de Indira Páez (6 y 7 de abril); Martha Pabón y  Martha en 3 Tiempos de Mariela Romero (20 y 21 de abril); Alba Roversi y Esperanza inútil de Indira Páez (4 y 5 de mayo) y  ahora le toca el turno a Gustavo Rodríguez y Nosotros que nos quisimos tanto de Mariela Romero (18 y 19 de mayo).
Todo comenzó en 1976
Más conocida internacionalmente en estos tiempos por sus telenovelas, unas 50, entre adaptaciones y plausibles creaciones, debutó como autora teatral hacia 1967 con Algo alrededor del espejo, pero es durante 1976 cuando irrumpe con  El juego, premiada en un concurso del Ministerio de Justicia, la cual tendría larga y positiva vida en los escenarios venezolanos y del mundo. Nos referimos a Mariela, nacida en Caracas hacia 1949, quien con experiencia y talento logró crear un estilo que la caracteriza, al reflejar, en buena parte de sus argumentos, relaciones más que temas y personajes más que situaciones. Inició su carrera artística como actriz en el grupo Bohemio, tras egresar de la Escuela de Arte Dramático del Ateneo de Caracas. Hoy. entre sus piezas más reconocidas, además de El juego, cuenta con textos como Este mudo circo, El juego de los vampiros, El cáncer es curable no lo malgaste, El vendedor, Esperando al italiano, El regreso del rey Lear, Algo alrededor del espejo y El inevitable destino de Rosa de la Noche. También ha realizado numerosas adaptaciones y versiones de los clásicos, lo cual le ha permitido escudriñar los secretos de la estructura dramática.
Inteligencia humana
Mariela Romero asegura que el teatro nació cuando el hombre decidió contar o explicar experiencias propias o soñadas y tuvo ante sí a sus congéneres para que las escucharan y las imaginaran. “Desde entonces es la más auténtica manifestación de la inteligencia humana para transmitir informaciones y sentimientos. Muchos han intentado destruirlo o silenciarlo, pero ha sido imposible y por eso siempre está renaciendo, más fuerte, más agresivo y además más temible. Y tal es su grandeza que se ha transformado o servido de materia o plataforma básica para desarrollar primero el cine y después la televisión, quienes serían sus hijos. ¡Que algunos lo utilicen para el mal es otra cosa!



jueves, mayo 10, 2012

Alegría y Mapulín en Guanare


Alegría y Mapulín”, hermoso espectáculo musical para el disfrute de toda la familia, llevado a las tablas por la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, se estará presentando en Guanare, del 4 hasta el 20 de mayo, todos los viernes sábados y domingos a las 7:00 pm, en la sala Federico Collado, del Complejo Teatral de Occidente “Herman Lejter”
Se trata de dos eternos e inseparables amigos que emprenden un largo viaje al país de Nunca Acabar. Alegría y Mapulín no tienen prisa por llegar, porque nunca se acaba. Además, es un país maravilloso, está lleno de teatros y de espectadores.
De una inmensa vitrina llena de muñecos de trapo, sutil evocación de Zobeyda, la muñequera, se escapan estos dos personajes para vivir una aventura única e irrepetible. En su largo camino, montados en el carro maravilla, se encontrarán con la terrible e insaciable Señora de la Censura, con el Soldado que busca un general y con sus Dobles, hasta caer dormidos en el país de la Gramática donde serán rescatados por los espectadores, que guiados por el mago del Rap: Próspero, les indicarán los pasos para llegar a ese lugar, “donde la libertad es libre y prisionera al mismo tiempo”
Alegría y Mapulín”es la única pieza teatral escrita por Carlos Giménez, que el pasado 29 de Septiembre del 2011 estrenó el Taller Permanente de Formación actoral del Teatro Estable y la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, protagonizada por Edilsa Montilla y Roimber Peraza, apuntalados por las actuaciones de Karelis Salazar, Jorge Barrios, Alex Azócar, Carla Arroyo, Yojhan Vargas y Rosa Grisman,y bajo la dirección de Aníbal Grunn.
OBJETIVOS
Para el director Grunn, “Alegría y Mapulín” es un texto maravilloso, donde además de instruir, se divierte a los niños. El objetivo fundamental de la pieza: mostrar el mágico y maravilloso mundo del teatro. Jugar con las palabras y enseñarles su significado”.
Siempre he intentado realizar una puesta en escena sencilla, pero llena de sorpresas y trucos. Algunas veces Prospero fue un mago de verdad, en otras oportunidades un superhéroe y en este ultimo montaje es como un cantante de rock, pero en versión muy teatral. Todas las herramientas del teatro están puestas a la orden del espectáculo, no para impactar, sino para sorprender y mantener la atención de los pequeños espectadores, divirtiendo a su vez a los adultos”.
No se si realizaré alguna otra versión, pero no me niego a ello. Posiblemente sea así... el teatro, como esta obra de Carlos Giménez es eterno e infinito en sus propuestas. Alegría y Mapulín, el País de Nunca Acabar y el Libro de Cuentos Inmortales, con todos los personajes que guarda en su interior, son una tentación para cualquier director de teatro”.
MONTAJES
La historia de “Alegría y Mapulín” la cuenta ahora su director Aníbal Grunn:
- En el año 1984, Carlos Giménez, sorpresivamente me entregó un libreto escrito a máquina de una obra de teatro, en la primera página tenía una dedicatoria: “Para un colega con todo el cariño que nos une por el teatro” Y me dijo: “Léela, si te gusta podemos montarla”.
La leí, me gustó muchísimo y decidí montarla. Pensé sólo en tres actores: Elba Escobar, Aroldo Betancourt y Elio Palencia. Utilizaríamos la multimedia y Carlos Castillo, el cineasta, haría toda una película que se proyectaría sobre una pantalla de tiras blancas, por donde los personajes entrarían y saldrían de escena provocando el efecto de “linterna mágica” La idea: pasear por toda la geografía venezolana, en donde estos personajes se encontrarían con los estantes. Gisela Pérez Guzmán produciría el espectáculo. Y las canciones serían con letras de Yolanda Tarff y música de Leonardo Small.
-Junio de 1984: por primera vez el Ateneo de Caracas entra en huelga, los empleados se niegan a seguir trabajando si no se les paga. 45 días de paro, todos los proyectos se caen. El primer intento de montaje de “Alegría y Mapulín” desaparece.
-Marzo de 1985: Carlos Giménez, ya retirado del Ateneo de Caracas, tras el incidente conocido como “El Macondazo”, vuelve a proponerme el montaje de su obra. Esta vez, no pensé en la multimedia, era demasiado cara, pero contaba con el elenco estable de Rajatabla: Pilar Romero, Jorge Luis Morales, Cosme Cortázar, Pedro Pineda y Luís Garbán. También son por ese entonces alumnos del taller: Daniel Uribe y Nira Parra. No había canciones ni bailes. La escenografía de Rafael Reyeros, los telones pintados a mano por Cosme Cortázar y toda la utilería de Ramón Pérez Pina. La iluminación era de David Blanco Teníamos efectos especiales en vivo, sonidos, sorpresas, realizados por Vicente Tepedino y William Cavalucci. Se estrenó en la sala Anna Julia Rojas y éxito de público fue extraordinario. Recorrimos varias salas de Caracas: Cadafe, Teatro Municipal, entre otras y luego realizamos una gira muy grande por toda Venezuela.
ANECDOTAS
Aníbal Grunn evoca algunos aspectos de la saga de la obra:
-Diez años después, Pilar Romero, al frente del proyecto Teatro Nacional Juvenil de Venezuela, me pide remontar la pieza con los jóvenes integrantes del Núcleo Zulia. Se hacen las audiciones correspondientes y mi propuesta es que sea totalmente musical. Ella misma escribe las letras y Juan Marcos Blanco, compone la música. Más actores en escena, una propuesta diferente con vestuario de Máximo Capecci, diseño de luces de Alfredo Caldera y coreografías de Yasmín Villavicencio. Los actores: Eleuterio Castellanos, Laura Petit,Leonardo Velásquez, Rosa Portillo, Marcos Durán, Carlos Garzón, Robert Hernández y Mauristania Guerrero.
-Nuevamente se repite el éxito, estreno en Maracaibo, viajes Barcelona, Caracas, Maturín, Guanare. Al año siguiente se repone con el elenco del TNJ, Monagas.

sábado, mayo 05, 2012

La tempestad de la vida


No existen sino el ayer y el hoy. No tenemos  los humanos otra cita más segura que la muerte y por eso hay que disfrutar cada día como si fuese el último. Así lo cantan los poetas y se puede corroborar si amanecemos y aspiramos el estimulante aroma del café mañanero. Esto no es un recordatorio funerario sino todo lo contrario. Es una reafirmación de vida y lo hacemos porque aquel 24 de julio de 2009 descubrimos una importante generación de artistas venezolanos, alejados  geográficamente de Caracas, pero quienes gracias al Metro están ahora en el teatro Municipal haciendo temporada con una de las obras más misteriosas, pero al mismo tiempo la más humana, de William Shakespeare.
Aquel día, por la tarde, presenciamos en la Casa de la Cultura de Los Teques la representación de La tempestad, pero más allá del impacto visual que proporcionó aquel variopinto conglomerado de desconocidos comediantes, detectamos la presencia de un puñado de jóvenes y adultos dispuestos a usar al teatro como vía de realización personal. Conocimos y desde entonces admiramos a la agrupación mirandina Veneteatro, empeñada en demostrar desde los escenarios que su teatro es amplio y undívago como el mar y que cuenta con numerosas ofertas estéticas para hacerse aplaudir y exaltar por la colectividad venezolana.
Desde la temporada 2009, Veneteatro (ya había debutado en 1999 con Edipo rey) no ha dejado de trabajar con otros proyectos, como han sido los montajes de Antonio y Cleopatra (2010) y Ricardo III (2011), también de Shakespeare, y ahora al presentarse en Caracas lo hace con su germinal La tempestad, siempre bajo la dirección general de Dante Gil y con un elenco, más diestro, encabezado por el primer actor Henry Soto y con la participación de los talentosos comediantes Ulises Acosta, Henry Pantoja, James Prada, David Serrano, William Pérez, Mara Flores, Juan Hernández, Alexis Márquez, Carolina Cortes y el plausible debut en las tablas del periodista José Gabriel Díaz, además de todo un brioso grupo de alumnos del Taller de Actuación Profesional 2012,para reunir así en escena a 42 interpretes.
AVENTURAS DE PRÓSPERO
La tempestad es la última obra que entregó Shakespeare, en 1611, y en ella se vislumbraba lo que serían los siglos posteriores de la bárbara colonización europea en las tierras americanas. Ahí se plasman las fantásticas experiencias de Próspero, alcalde despojado de su cargo por su hermano Antonio, quienes lo abandonan junto a su pequeña hija Miranda en una remota isla. Años después, el destino pone a sus enemigos a su merced, por lo que Próspero fabrica una tempestad que hunde el barco donde yacían el gobernador, el alcalde usurpador y otros marinos. Con los náufragos en la isla, Próspero pone en marcha su venganza junto a su mágico siervo Ariel, quien descubre la conspiración que traman Calibán, Esteban y Trínculo en contra de su amo. Al final, Próspero reflexiona acerca de la vida, la venganza, el amor y el perdón, y además anuncia las nupcias entre Miranda y Fernando, tras despojarse de sus poderes y su vara mágica.
DOS MONTAJES
Del primer montaje que vimos de La tempestad, nos queda el haber disfrutado y ponderado las habilidades del puestista Dante Gil para las acciones escénicas de masas, quien también es organizador y realizador de una serie de didácticos talleres de capacitación actoral. Respetó la esencia del texto y la filosofía shakesperiana, lo cual pudimos destacar en ese momento y mucha más ahora en el montaje traído a Caracas.
Se trata, pues, de otro espectáculo, convertido en súper producción, una fantástica aventura, saturada de luz y color, que expone el drama vivido por Próspero, un hombre que desterrado de su reino buscará cobrar venganza.
Protagonizada por el primer actor Henry Soto (quien regresa así exitosamente al teatro),  el espectáculo está repleto de sorpresas que combinan el romance, el drama y la comedia, aderezadas con música y danza, para dar vistosidad a la transición de las emociones humanas vividas por un hombre que se vale de sus poderes mágicos para armar, durante hora y media, un entuerto que al final lo llevará al perdón. Siendo éste y la reconciliación las grandes protagonistas de la obra.
En el remontaje de  La Tempestad, el director Gil  logra una lectura muy personal de la obra, pues no era su interés hacer una reproducción exacta del texto. En compañía de sus actores hizo un severo proceso de investigación de la obra para definir el contexto que querían y podían darle al montaje, así como la propuesta estética del vestuario, ambientación y musicalización. 
REIVENTAR AL SER HUMANO
 “Dirigir un Shakespeare era algo que venía germinando en mí desde hace algunos años. Quizás mi primera inspiración se dio gracias a uno de mis maestros en teatro isabelino, Isaac Chocrón, quien nos reiteraba que ese dramaturgo había reinventado al ser humano a través de su teatro. Leerlo es enamorarse del teatro, pues para él, el amor entra por los ojos. Así como Romeo y Julieta o Fernando y Miranda se enamoran a primera vista, el espectador se enamora del teatro al ver una de sus piezas”, así se presenta este director, y licenciado en artes en la UCV en el 2009, Dante Gil. Escogió esta obra que tenía muy bien estudiada para realizar su primer taller montaje de Shakespeare y el Teatro Isabelino con sus actores de Veneteatro. Pero para un texto de este nivel necesitaba mucha inversión de tiempo, investigación y producción.
“Al igual que del contexto propuesto medularmente por el propio Shakespeare, la atemporalidad implícita en su argumento, el hibridismo cultural de la estética griega y renacentista, la atmosfera musical fue influenciada arábigamente, pues los griegos y persas permanentemente intercambiaron culturas a través de la guerra y la dominación de uno sobre el otro. Y finalmente el descubrimiento del Nuevo Mundo, que significó una revolución para la comprensión humana y expansión del conocimiento; pues siempre el hombre soñó desde la antigüedad con islas y lugares utópicos, donde habitaban seres mitológicos, al igual que hoy en día soñamos con otros mundos, otras tierras y otros seres estelares. Así que como resultado he podido mostrar mi Tempestad, mucho más cercana al público contemporáneo. Una clara alegoría a la fantasía, la comedía y la filosofía. Una reconciliación con la vida y con el alma en sí misma”.

Melodrama gay entre 50 y 30


José Simón Escalona Acosta (Ciudad Bolívar, 1954), afamado por sus telenovelas y la férrea gerencia que impuso a lo largo de dos décadas en RCTV, es además fundador de la agrupación teatral Theja (1973) y autor de una docena de piezas controversiales, como De todas, todas, la cual culmina su primera temporada en el Teatro Escena 8, siendo actuada por Gonzalo Velutini y Nacho Huett, de acuerdo al desopilante montaje que creó Javier Vidal y con la pulcra producción de Angélica Escalona.
De todas, todas es una invitación para reflexionar sobre las vicisitudes del amor y la soledad, sentimientos claves para la vida humana, los cuales están muy presentes en su argumentación gay en clave de melodrama. No es  la primera ni la última pieza que entrega Escalona Acosta sobre tramas de conductas gais; antes hizo conocer los controversiales espectáculos creados a partir de sus textos: Cuatro esquinas (1979),Marilyn, la última pasión  (1983), Jav y Jos (1985) y A María Queras la llaman Mari (1999). Hasta ahora su producción dramatúrgica general suma 12 obras, de las cuales 11 han sido representadas por el grupo Theja
De todas, todas  se centrada en una pareja de gais que atraviesa una compleja crisis de definición de rutas: El Señor (de 50) y El Joven (sobre los 30 años) son encarnados por Gonzalo Velutini y Nacho Huett quienes logran los patéticos personajes necesitados de mucho amor  y dispuestos a todo en esa lucha contra la soledad, que logra materializar el director Javier Vidal, a partir del opus que le encomendó  Escalona, y con las indudables entregas creativas de tal pareja de comediantes.
Velutini asume al personaje de El Señor, como enamorada loca refinada y supuestamente capaz de cederlo todo para no quedarse con la soledad, lleva el creciente ritmo del  espectáculo (un acto largo con 12 escenas, para 80 minutos) hasta que Huett asume el control escénico y logra una brillante y memorable performance como masculino stripper, además de unas veristas escenas donde El Joven trata de asumirse en su nuevo derrotero como heterosexual, con novia y dispuesto a casarse y procrear; pero al final todo se le derrumba y regresa al apartamento de El Señor, tras ser calificado por su ya ex mujer como “marico”. Conmovedoras actuaciones englobadas en fina y lúdica puesta en escena, que lleva el sello de Vidal.
Ellos se jugaron finamente entre el stand up comedy, el monólogo convencional y las intimistas comedias de dos personajes quienes al final terminan conciliando sus desavenencias hasta la próxima vez que estén al borde de  otra ruptura o logren consolidar una amistad capaz de llevarlos finalmente en la barca de Caronte. Todo materializado en la terraza de un apartamento y con mínimos elementos de cocina y un gimnasio improvisado.
De todas, todas propone un análisis sobre el amor, pero que ahí habita en cuerpos masculinos. Y es la audiencia quien debe responderla o seguir interrogándola sobre la identidad y la ética de la convivencia.